Det er den slags fotografi der, hvis man forsøgte at sætte det i ord, ville ophøre med at være hvad det er. Ikke fordi sproget er utilstrækkeligt, men fordi billedets betydning er uadskillelig fra dets specifikke visuelle form, på præcis den måde et digts betydning er uadskillelig fra dets specifikke ordstilling.
Det er ikke en tilfældighed. Nogle fotografer arbejder på en måde der har mere til fælles med poesi end med konventionel dokumentar- eller kommerciel fotografering – og at forstå hvad det vil sige afslører noget interessant om hvad fotografiet kan gøre.
Hvad poesi og fotografi deler
Poesi forklarer ikke. Den antyder, komprimerer, efterlader rum. Et digt præsenterer et billede eller en sekvens af billeder og stoler på at læseren fuldfører noget ordene lader stå åbent. Betydningen er ikke indeholdt i ordene alene men i rummet mellem ordene og læserens erfaring. Når det virker, kommunikeres noget der ikke kunne siges mere direkte – fordi at sige det mere direkte ville ændre hvad det er.
Det samme er muligt i fotografiet, og de fotografer der opnår det deler visse karakteristika med poeter: en interesse i hvad der ikke vises, en præference for antydning over konstatering og en tolerance for tvetydighed der er det modsatte af den besluttende, afklarende gestus som pressefotografiet normalt sigter mod. De fotograferer typisk ting der modstår enkel fortolkning – lys på en overflade, en delvist synlig figur, et rum ladet med erindringen om noget der ikke er der.
Ma – det japanske begreb for det tomme rum
Japansk æstetik har et begreb der hedder ma og som oversættes omtrent som “mellemrum” eller “pause” – det meningsfulde rum mellem ting, det interval der giver form til det der omgiver det. Det er relevant for musik, arkitektur og billedkunst, og det beskriver noget som de mest lyriske fotografer forstår intuitivt: at hvad der ikke er i billedet er ligeså vigtigt som hvad der er.
Fotografer som Fan Ho, der arbejdede i Hong Kong i 1950’erne og 60’erne, producerede billeder så gennemsyret af denne kvalitet af meningsfuld fraværelse at de nærmer sig haikuens tilstand – komprimerede, præcise og komplette på en måde der efterlader seeren med noget de ikke helt kan navngive.
Hvad det kræver af fotografen
At arbejde fotografisk i retning af poesi kræver en bestemt disciplin: villigheden til at modstå forklaring. Trangen til at gøre billedet klart, til at sikre at motivet er genkendeligt og indholdet læsbart, er forståelig og ofte rigtig. Men den lukker noget af. De fotografier der akkumulerer betydning over tid frem for at levere den øjeblikkeligt er ofte dem der modstår opløsning – der holder et spørgsmål åbent frem for at besvare det.
Det er ikke en bedre eller mere korrekt måde at fotografere på. Det er en anden tilstand med andre muligheder og andre krav. Men for fotografer der føler at noget mangler i billeder der er teknisk vellykkede og klart læsbare, er det værd at tage seriøst som en dimension af hvad fotografiet kan gøre – og hvad der sker, når det tillades at nærme sig det litterære.
Tip: Tag Saul Leiters fotografier som udgangspunkt – ikke for at kopiere dem, men for at analysere præcist hvad de udelader og hvad det gør ved billedet. Spørg for hvert billede hvad der er tilbage, når den direkte information er fjernet – og om det er nok til at bære billedet alene.
